La temática de Tiziano es amplia . Retrató a la clase dirigente de su época , recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza , pintó paisajes , reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco . En general , se pueden dividir en tres grupos toda su producción pictórica : la pintura religiosa , las escenas mitológicas y los retratos .
Estas son algunas de sus obras más relevantes
El hombre del guante
Fecha : 1520 - 1522
Características : 100 x 89 cm
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Museo Nacional de Louvre
Estilo : Renacimiento Italiano
En este cuadro , un hombre joven mira a su izquierda apoyado en uno de sus brazos ; pero no descansa , nada en su rostro indica pasividad ni quietud . La nobleza de sus rasgos ( la nariz recta y elegante ; el mentón suavemente marcado ; la frente límpida y amplia ) y la fuerza de sus gigantes y delicadas manos . Todo en él transmite resolución , firmeza y valor pero , es en el contraste de los ojos y los labios lo que capta la mirada de cualquiera que mire el cuadro . Los ojos verdes , inmensos , penetrantemente abiertos y los labios , bien perfilados y sellados . Esa mirada confiesa lo que los labios del modelo intentan callar .
Una de las manos está cubierta por un guante , la otra está desnuda . No se trata sólo de una convención para indicarnos la noble condición social del modelo . Es un eco del contraste entre sus labios cerrados y su mirada bierta . Todo en él está a la vez oculto y revelado .
Al parecer , el cuadro formaba parte de un díptico : el hombre del guante debía contemplar a su esposa (de ahí el anillo que el modelo ostenta con decoro) . Este retrato nos confronta con la apoteosis de la individualidad : hace palpables los pliegues del yo . Un yo que irrumpía en el Renacimiento con el ímpetu de una fuerza enterrada durante un milenio . El cuadro de Tiziano parece estar apunto de desvelarnos algo . Ante él , descriframos el susurro de una confidencia que nos será finalmente negada . Sentimos que el pintor ha entreabierto unas puertas que se cierran de golpe cuando estamos apunto de entrever lo que hay detrás .
En este cuadro , un hombre joven mira a su izquierda apoyado en uno de sus brazos ; pero no descansa , nada en su rostro indica pasividad ni quietud . La nobleza de sus rasgos ( la nariz recta y elegante ; el mentón suavemente marcado ; la frente límpida y amplia ) y la fuerza de sus gigantes y delicadas manos . Todo en él transmite resolución , firmeza y valor pero , es en el contraste de los ojos y los labios lo que capta la mirada de cualquiera que mire el cuadro . Los ojos verdes , inmensos , penetrantemente abiertos y los labios , bien perfilados y sellados . Esa mirada confiesa lo que los labios del modelo intentan callar .
Una de las manos está cubierta por un guante , la otra está desnuda . No se trata sólo de una convención para indicarnos la noble condición social del modelo . Es un eco del contraste entre sus labios cerrados y su mirada bierta . Todo en él está a la vez oculto y revelado .
Al parecer , el cuadro formaba parte de un díptico : el hombre del guante debía contemplar a su esposa (de ahí el anillo que el modelo ostenta con decoro) . Este retrato nos confronta con la apoteosis de la individualidad : hace palpables los pliegues del yo . Un yo que irrumpía en el Renacimiento con el ímpetu de una fuerza enterrada durante un milenio . El cuadro de Tiziano parece estar apunto de desvelarnos algo . Ante él , descriframos el susurro de una confidencia que nos será finalmente negada . Sentimos que el pintor ha entreabierto unas puertas que se cierran de golpe cuando estamos apunto de entrever lo que hay detrás .
Venus de Urbino
Fecha : 1530
Características : 119 x 165 cm
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Galeria de los Uffizi
Estilo : Renacimiento Italiano
En mi opinión , una de las obras más espectaculares de Tiziano , realizada durante su estancia en la Corte Urbino . Es la primera ocasión en la que Tiziano pinta una figura de Venus , mostrándola en un interior , situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto sobre una sábana blanca . En primer plano , dirige la mirada al espectador con cierta provocación . En su mano derecha tiene unas flores mientras que con la izquierda cubre su pubis . Su cabello , aparentemente rubio , cae sobre sus hombros creando una figura de evidente clave erótica . Al fondo se puede apreciar una estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol . En esa misma sala dos jóvenes se afanan en bucar ropas en un arcón situado justo debajo de la ventana , siendo esta escena un acertado complemento a la figura desnuda . Tiziano dirige el foco de luz directamente sobre el cuerpo de la Venus . La claridad de la piel de la modelo y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se recorta la mitad superior de la joven y con la tela del diván . Tiziano tampoco se olvida de la perspectiva , creada a través de las baldosas , la columna del fondo y el árbol . Esta Venus es la figura de mayor belleza que ha salido del pincel de Tiziano .
Venus y Adonis
Fecha : 1553 - 1554
Características : 186 x 207 cm
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Museo del Prado
Estilo : Renacimiento italiano
Si Dánae ( otro cuadro del artista ) aparece de frente , la figura femenina en Venus y Adonis se encuentra de espaldas , intentando retener a su amado que , cuando se vaya de caza , encontrará la muerte . Las figuras se insertan perfectamente en el paisaje , abandonando Tiziano los estudios arquitectónicos en el Quattrocento para obtener efectos de perspectiva . Ahora las escenas son más naturales y verosímiles . La tensión existente entre ambas figuras parece anticipar el Barroco , así como la diagonal que organiza la composición . El situar a Venus y Adonis en primer plano hace recordar los altorrelieves romanos . La luz incide directamente sobre la pareja y deja la zona de bosque en semipenumbra .
Amor sacro y amor profano
Fecha : 1514
Características : 118 x 279
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Galería Borghese (Roma)
Estilo : Renacimiento italiano
Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio y Laura Bagarotto en la primavera de 1514 Tiziano realizó este excelente trabajo . Tiziano nos presenta a dos mujeres sentadas al borde de una fuente mientras Cupido remueve las aguas que contiene dicha fuente . La mujer de la derecha aparece vestida con sus mejores galas mientras que la mujer de la izquierda se presenta desnuda . La mujer vestida lleva en sus manos una vasija de oro y un ramillete de rosas mientras que su compañera sostiene en su mano izquierda una lámpara de aceite encendida . El tema que propone Tiziano está relacionado con el neoplacentismo , de la misma manera que habían hecho Botticelli y Mantegna en el Quattrocento . Se trata de una reflexión sobre sobre la doble naturaleza de la Venus , la celeste y la vulgar , no una oposición entre el bien y el mal como se plantea en el título . Debido a que en el Renacimiento la figura femenina desnuda consigue una valoración diferente al Medievo (la Verdad o la Justicia se representan desnudas) la Venus celeste se nos presenta sin ningún velo . Esta Venus nació sin participación femenina ya que vino al mundo cuando los testículos cortados de Urano cayeron al mar . La Venus terrena nació como fruto de los amores entre Zeus y Hera . Aunque simbolizan diferentes grados de perfección y belleza , las dos son nobles y dignas , y entre ellas reina la armonía , razón por la que Cupido remueve el agua de la fuente para homogeneizar los dos amores . Tiziano no renuncia a representar un tercer tipo de amor , el Amor Ferinus , irracional y que esclaviza a través de las pasiones , simbolizados a través del caballo desbocado y la flagelación que se presentan en le relieve antiguo que decora la fuente . De esta manera , se pone claramente de manifiesto la vinculación del maestro con el mundo antiguo y con la filosofía de su tiempo . Luces y colores se van adueñando paulatinamente de la composición , convirtiéndose dn los verdaderos protagonistas del conjunto . Tiziano no renuncia a su afición por el detallismo de las telas , de la misma manera que emplea tonalidades brillantes como el rojo del manto de la Venus Celeste o las mangas del vestido de la Terrena . El resultado es un trabajo que pone en manifiesto la elevada calidad del joven artista , quien pretende convertirse en el primer pinto de la Serenísima República de Vencia .
Con motivo de la boda entre el canciller ducal Nicolo Aurelio y Laura Bagarotto en la primavera de 1514 Tiziano realizó este excelente trabajo . Tiziano nos presenta a dos mujeres sentadas al borde de una fuente mientras Cupido remueve las aguas que contiene dicha fuente . La mujer de la derecha aparece vestida con sus mejores galas mientras que la mujer de la izquierda se presenta desnuda . La mujer vestida lleva en sus manos una vasija de oro y un ramillete de rosas mientras que su compañera sostiene en su mano izquierda una lámpara de aceite encendida . El tema que propone Tiziano está relacionado con el neoplacentismo , de la misma manera que habían hecho Botticelli y Mantegna en el Quattrocento . Se trata de una reflexión sobre sobre la doble naturaleza de la Venus , la celeste y la vulgar , no una oposición entre el bien y el mal como se plantea en el título . Debido a que en el Renacimiento la figura femenina desnuda consigue una valoración diferente al Medievo (la Verdad o la Justicia se representan desnudas) la Venus celeste se nos presenta sin ningún velo . Esta Venus nació sin participación femenina ya que vino al mundo cuando los testículos cortados de Urano cayeron al mar . La Venus terrena nació como fruto de los amores entre Zeus y Hera . Aunque simbolizan diferentes grados de perfección y belleza , las dos son nobles y dignas , y entre ellas reina la armonía , razón por la que Cupido remueve el agua de la fuente para homogeneizar los dos amores . Tiziano no renuncia a representar un tercer tipo de amor , el Amor Ferinus , irracional y que esclaviza a través de las pasiones , simbolizados a través del caballo desbocado y la flagelación que se presentan en le relieve antiguo que decora la fuente . De esta manera , se pone claramente de manifiesto la vinculación del maestro con el mundo antiguo y con la filosofía de su tiempo . Luces y colores se van adueñando paulatinamente de la composición , convirtiéndose dn los verdaderos protagonistas del conjunto . Tiziano no renuncia a su afición por el detallismo de las telas , de la misma manera que emplea tonalidades brillantes como el rojo del manto de la Venus Celeste o las mangas del vestido de la Terrena . El resultado es un trabajo que pone en manifiesto la elevada calidad del joven artista , quien pretende convertirse en el primer pinto de la Serenísima República de Vencia .
La Asunción de la Virgen
Fecha : 1517
Características : 690 x 360 cm
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Iglesia de Santa María dei Frari (Venecia)
Estilo : Renacimiento italiano
La Asunción que Tiziano pintó para la Iglesia de Santa María dei Frari en Venecia es una de sus obras más espectaculares . Supone el primer encargo de importancia para el artista en un año en el que es nombrado pintor oficial de la Serenísima República de Venecia (1516) , poniéndose en contacto , además , con el duque de Ferrara , su primer cliente importante . En la iglesia veneciana , Tiziano desarrolla una de sus obras más sorprendentes y revolucionarias . Sus fuentes de inspiración son Mantegna y Giovanni Bellini , aunque el maestro las perfecciona abandonando el realismo para otorgar al asunto la sobrenaturalidad necesaria . La composición se divide en tres espacios : la zona superior , con Dios Padre esperando a recibir a María en su seno ; la central , con la Virgen María siendo ascendida por una gran corte de querubines ; y la inferior , donde los apóstoles contemplan el episodio . Pero Tiziano ha conseguido unir estas tres zonas de manera espectacular a través de deferentes elementos como son el color rojo que afecta a las tres zonas ; la luz , al iluminar de igual manera la zona terrenal y la celestial , sin hacer variaciones entre ambas ; los gestos de las figuras , que ponen en contacto los diferentes planos ; la unidad compositiva , al recurrir a una pirámide para la zona terrenal y un círculo en la celestial , participando la Virgen en ambos mundos lo que indica su calidad de intercesora para el ser humano en su salvación . Las figuras empleadas por el maestro son de gran tamaño , destacando las posturas movidas que otorgan mayor veracidad . Recurre a una doble perspectiva de gran originalidad al mirar de arriba abajo en los apóstoles , y de abajo a arriba en la Virgen y Dios Padre . La intensidad del colorido y el brillo de la luz dorada forman parte de la cuidadosa puesta en escena seguida por Tiziano , quien había calculado hasta los más mínimos detalles de emplazamiento ya que el lienzo se sitúa al final de un gran altar gótico y en un díficil contraluz , contrarrestado por la maravillosa luminosidad que emana de la obra . De esta manera se pone de manifiesto el deseo del maestro por agradar a sus clientes .
La Asunción que Tiziano pintó para la Iglesia de Santa María dei Frari en Venecia es una de sus obras más espectaculares . Supone el primer encargo de importancia para el artista en un año en el que es nombrado pintor oficial de la Serenísima República de Venecia (1516) , poniéndose en contacto , además , con el duque de Ferrara , su primer cliente importante . En la iglesia veneciana , Tiziano desarrolla una de sus obras más sorprendentes y revolucionarias . Sus fuentes de inspiración son Mantegna y Giovanni Bellini , aunque el maestro las perfecciona abandonando el realismo para otorgar al asunto la sobrenaturalidad necesaria . La composición se divide en tres espacios : la zona superior , con Dios Padre esperando a recibir a María en su seno ; la central , con la Virgen María siendo ascendida por una gran corte de querubines ; y la inferior , donde los apóstoles contemplan el episodio . Pero Tiziano ha conseguido unir estas tres zonas de manera espectacular a través de deferentes elementos como son el color rojo que afecta a las tres zonas ; la luz , al iluminar de igual manera la zona terrenal y la celestial , sin hacer variaciones entre ambas ; los gestos de las figuras , que ponen en contacto los diferentes planos ; la unidad compositiva , al recurrir a una pirámide para la zona terrenal y un círculo en la celestial , participando la Virgen en ambos mundos lo que indica su calidad de intercesora para el ser humano en su salvación . Las figuras empleadas por el maestro son de gran tamaño , destacando las posturas movidas que otorgan mayor veracidad . Recurre a una doble perspectiva de gran originalidad al mirar de arriba abajo en los apóstoles , y de abajo a arriba en la Virgen y Dios Padre . La intensidad del colorido y el brillo de la luz dorada forman parte de la cuidadosa puesta en escena seguida por Tiziano , quien había calculado hasta los más mínimos detalles de emplazamiento ya que el lienzo se sitúa al final de un gran altar gótico y en un díficil contraluz , contrarrestado por la maravillosa luminosidad que emana de la obra . De esta manera se pone de manifiesto el deseo del maestro por agradar a sus clientes .
Venus del espejo
Fecha : 1555
Características : 124´5 x 105´5
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Naticional Gallery (Washinton)
Estilo : Renacimiento italiano
Mientras que Tiziano realizaba las famosas Poesías para Felipe II , ejecutó también varios asuntos mitológicos protagonizados por Venus . Crea un asunto totalmente original como es ´´ la toilette de Venus ´´ sin ningún precedente anterior . El único ejemplo conservado es éste que observamos , aunque debían existir más versiones , desgraciadamente desaparecidas . La figura de la diosa desnuda , cubriéndose parte del pecho con la mano y el pubis con un manto bordado , se recorta sobre un fondo neutro . Dos amorcillos la acompañan ; uno porta el espejo en el que la Venus se mira y el otro procede a coronarla . La luz resbala por el cuerpo femenino y resalta la blancura de su piel , mientras que los amorcillos quedan algo más oscurecidos . El dibujo que exhibe el maestro es de gran belleza , añadiendo un efecto atmosférico a la composición que parece difuminar los contornos . Su pincelada es cada vez más rápida , sin atender tanto a los detalles , mientras que el color empleado continúa con su viveza . Estas obras han recibido la denominación genérica de ´´ Impresionismo mágico ´´ .
Alegoría de la Prudencia
Mientras que Tiziano realizaba las famosas Poesías para Felipe II , ejecutó también varios asuntos mitológicos protagonizados por Venus . Crea un asunto totalmente original como es ´´ la toilette de Venus ´´ sin ningún precedente anterior . El único ejemplo conservado es éste que observamos , aunque debían existir más versiones , desgraciadamente desaparecidas . La figura de la diosa desnuda , cubriéndose parte del pecho con la mano y el pubis con un manto bordado , se recorta sobre un fondo neutro . Dos amorcillos la acompañan ; uno porta el espejo en el que la Venus se mira y el otro procede a coronarla . La luz resbala por el cuerpo femenino y resalta la blancura de su piel , mientras que los amorcillos quedan algo más oscurecidos . El dibujo que exhibe el maestro es de gran belleza , añadiendo un efecto atmosférico a la composición que parece difuminar los contornos . Su pincelada es cada vez más rápida , sin atender tanto a los detalles , mientras que el color empleado continúa con su viveza . Estas obras han recibido la denominación genérica de ´´ Impresionismo mágico ´´ .
Alegoría de la Prudencia
Fecha : 1565
Características : 75´6 x 68´6
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : National Gallery (Londres)
Estilo : Renacimiento italiano
Siguiendo la inscripción de la parte superior del lienzo - `` EX PRAETERITO - PRAESENS PRUDENTER AGIT - NI FUTURU(M) ACTIONEM DETURPET ´´ , `` del pasado al presente es preciso actuar con prudencia para no arruirnar la acción futura ´´ Se ha interpretado como una asociación , las tres edades del hombre (que se interpretan con tres cabezas humanas) con tres cabezan de animales (que representan la memoria , la inteligencia y la providencia) . El lobo (que devora la memoria de las cosas del pasado) , el león (que se agita como el presente) y el perro (que apacigua en la esperanza , el futuro) Se han reconocido en las cabezas humanas al anciano Tiziano , a su hijo Orazio y a su nieto Marco representando el resurgir poco a poco de las tinieblas del pasado (Tiziano) , recibiendo la luminosa luz del presente (Orazio) y resplandeciendo con la luz del futuro (Marco) . Cada una de estas figuras está tratada con especial atención , interesándose por captar la personalidad del modelo , entregando de esta manera un testimonio espiritual y figurativo a su familia . El estilo se identifica con la década de 1565 y los trabajos que estaba realizando para Felipe II . La pincelada es fluida y abocetada , creando efectos de atmósfera y contrastando luces y sombras , estilo que tendrá su continuidad entre lo0s miembros de la escuela veneciana como Tintoretto y en el Barroco .
Carlos V a caballo en Mühlberg
Fecha : 1548
Características : 332 x 279 cm
Material : Óleo sobre lienzo
Museo : Museo del Prado
Estilo : Renacimiento italiano
Carlos I de España y V de Alemania, padre de Felipe II, fue el emperador que conquistó casi todo el mundo católico conocido en el momento. Utilizó el arte como ningún monarca lo había hecho hasta el momento . Tiziano fue el artista que mejor se acomodó a este empleo, manteniendo siempre su independencia, puesto que nunca aceptó trasladarse a España para trabajar con el emperador. En este lienzo Tiziano le retrata momentos antes de la victoria de Mühlberg contra los príncipes protestantes de Alemania y los Países Bajos que se habían aliado contra el dominio imperial. El trasfondo era claramente político, pero la excusa fue la guerra religiosa entre católicos y protestantes. Tal vez por esto, Tiziano dota a la imagen del emperador de un aura casi sagrada, en su gesto determinado, impertérrito y ajeno a la fatiga. La batalla se había desarrollado hasta el momento sin decantarse hacia ningún bando; Carlos V detiene su caballo frente al río Elba, tras el cual los protestantes se han hecho fuertes . El colorido tizianesco se aprecia por lo demás en toda su plenitud: los rojos y ocres de la tela son inimitables. Además, inaugura un género que hasta el momento se había tratado muy tímidamente y que alcanza su esplendor en el Barroco: el retrato real a caballo. Como dato curioso, que habla en favor del rigor histórico del artista, la armadura que viste el monarca es una valiosísima pieza labrada en oro y plata que se conserva en la Real Armería de Madrid. Conservado en los diferentes palacios reales que el emperador se hizo construir en España, el cuadro sufrió el incendio del Alcázar de Madrid en 1734, aunque por fortuna pudo restaurarse. Pasó, con el resto de la colección real española, al Museo del Prado en el siglo XIX.
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